Pablo Picasso

Nascita: 25 ottobre 1881, Malaga 

Morte: 8 aprile 1973, Mougins

Pablo Picasso (1881 – 1973), è stato uno dei più leggendari artisti del Novecento, uno dei più influenti e rivoluzionari pittori nella storia dell’arte occidentale. Pittore, scultore e litografo, Pablo Picasso è stata la personalità imponente nella nascita e nell’evoluzione del cubismo, decretando i principi ispiratori per l’arte astratta.

Enorme era la sua abilità come disegnatore, anche quando i suoi lavori si esprimevano astrattamente, l’architettura dei suoi personaggi era rigorosa. La loro forma e portamento sfioravano la perfezione.

Sperimentare era il suo credo, Picasso non temeva di appropriarsi di stimoli altrui e di fonderli, provocando se stesso e i suoi estimatori. Era rapace nella ricerca ossessiva di nuove sollecitazioni durante tutti i periodi creativi.

Passioni, paure e i suoi odi, uno spettro di sentimenti. Nella sua opera il maestro di Malaga ha raccontato nelle minime sfumature le vicende più intime e profonde della sua vita.

Dotato di sterminata capacità di realizzare quadri realistici, preferì l’ignoto percorso dell’astrazione, sfrondandone i dettagli e forgiando in esso lo sconfinato genio dell’arte. Queste le motivazioni per cui Picasso è considerato un genio della pittura e le sue opere hanno una così alta quotazione sul mercato dell’arte da quasi un secolo.

BIOGRAFIA

Il giovane Picasso

Era un bambino prodigio. Sotto la formazione accademica di suo padre, ha sviluppato il suo talento artistico a un ritmo straordinario. All’età di 13 anni ha superato l’abilità del padre, professore alla scuola di Belle Arti.

La famiglia si trasferì a La Coruña nel 1891, dove rimase circa quattro anni. Con inconsueta bravura per un quindicenne, eseguì mirabilmente il ritratto della sorella alla Comunione; una strabiliante realizzazione da maturo pittore di fine ottocento senza le titubanze dell’età.

Nel 1895 un successivo trasferimento della famiglia a Barcellona ​​dove Pablo Picasso studiò nella locale accademia. La sua visita a Horta de Ebro dal 1898 al 1899 e la sua adesione al gruppo del caffè Els Quatre Gats nel 1899 circa, dove fece la sua prima mostra, furono fondamentali per la sua iniziazione nel mondo artistico. Nella città catalana afferrò gli stimoli dell’innovazione progressista cogliendone i fermenti che avrebbe poi sviluppato a Parigi.

Nel 1904 Picasso si stabilì a Parigi, a Montmartre. E’ un periodo molto duro  per l’artista; nei primi tempi si scontra con la povertà anche se ha il privilegio di frequentare intellettuali e personaggi autorevoli come il pittore André Breton e il critico e poeta Max Jacob, che lo aiuta economicamente.

È il momento del dubbio e della confusione, Pablo Picasso non riesce a trovare la nota giusta nel policromo pentagramma per inserirsi repentinamente nell’ambiente pittorico di Parigi.

Un artista così giovane dotato di uno straordinario bagaglio tecnico sarà accondiscendente verso una moda imperante tradizionalista? È immaginabile per lui troncare del tutto il legame con la sua cultura accademica?

Il lessico creativo di Picasso che si protrarrà per tutta la sua lunga carriera, emerge già dalle prime opere. Tutti i principali stili di pittura contemporanea dal 1900 al 1906, dall’impressionismo all’Art Nouveau, sono da lui sperimentati.

Il suo stile non poteva restare il medesimo, visto gli impulsi che lo bersagliavano, ma cambiò con estrema rapidità ed ebbe ininterrottamente una spirale evolutiva negli anni. Questo costante mutamento oltre i limiti è stato un segno del genio di Picasso.

All’inizio del novecento Parigi era il centro del mondo artistico internazionale e già grandi personalità come Claude Monet, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, avevano osato valicare i confini della rappresentazione del mondo visibile.

Proprio in questa confusa e nebbiosa contingenza artistica Picasso emerse quando nel 1904 aprì il suo primo atelier in un vecchio fabbricato, il Bateau Lavoir.

Quì furono dipinti i primi quadri che avrebbero rivoluzionato la storia dell’arte. Lo studio si trasformò ben presto in un cenacolo per artisti, scrittori e mecenati all’avanguardia nella Parigi di inzio secolo. Questo gruppo comprendeva il pittore Juan Gris, lo scrittore Guillaume Apollinaire e i collezionisti americani Leo e Gertrude Stein.

Il periodo Blu

Figure smagrite e dallo sguardo assente, prostitute e mendicanti, creature angosciate, derelitti ritratti con il colore del blu e sfumature di turchese, sprofondati in una malinconica tristezza erano i soggetti preferiti dall’artista. Gli anni tra il 1901 e il 1904 sono conosciuti come il Periodo blu di Picasso, segnato dal suicidio dell’amico Carlos Casagemas, nel 1901.

L’atmosfera decadente di questo periodo, la cupa depressione di un’anima in balia della miseria velata dalle immagini con il colore blu, è il simbolo delle ristrettezze personali del pittore negli inizi del secolo, quando spesso dava fuoco alle sue tele per scaldarsi. The Old Guitarist (1903) e La Vie (1903) sono due esempi straordinari di questi anni.

Il periodo Rosa

A partire dalla tarda primavera del 1904 e per tutto il 1905 Pablo Picasso non stravolse solo l’apparato cromatico ma adottò una tavolozza più leggera composta da gradazioni più calde e delicate con una prevalenza di toni rossastri e rosa, i suoi soggetti erano più vivaci.

Fu attratto dagli artisti circensi del Cirque Medrano dove un gruppo itinerante di agili acrobati, clown, equilibristi, musicisti e delicate ballerine intrattenevano il pubblico, dando così inizio a quello che i critici qualificano Il periodo rosa.

Un’atmosfera idilliaca e il rosa nelle sue sfumature più leggere danno vita a un clima di fanciullesca ingenuità, accentuata dalla pastosità e raffinatezza del disegno. Il periodo rosa fu per Pablo Picasso un momento felice, gioioso e, ancora più importante, di grande valore artistico.

Il quadro Family of Saltimbanques (1905) e Boy with a Pipe (1905), venduto per 104 milioni di dollari nel 2004, sono due delle opere più famose di questo periodo.

L’influenza della scultura iberica e africana

Nella primavera del 1906 Picasso aveva visto una mostra sulla scultura iberica e africana al Louvre. Queste circostanze, coniugate alla complicità di Cézanne con il suo ascendente, diedero vita ad un evento di assoluta rilevanza.

Influenzarono così tanto l’artista da incitarlo a conseguire la sua più alta espressione in una delle opere più rivoluzionarie e controverse nell’intero percorso del pittore spagnolo, Les Demoiselles d’Avignon (1907) raffigurante cinque prostitute spagnole che sembrano arrabbiate e primitive, tecnicamente assente la prospettiva pittorica.

L’opera, sconvolgente e inquietante per il momento storico, diede vita ad un grande scandalo tanto che fu esibita in una mostra solo dopo dieci anni. La tela realizzata ad olio segnò un baratro non solo con i lavori precedenti dell’artista, ma scavalcò d’un balzo quanto prodotto nella pittura del novecento.

In questa rielaborazione del primitivismo e la rinuncia della prospettiva, Pablo Picasso si discosta definitivamente dalla pittura formale europea. Questa opera è all’unanimità ritenuta l’anticipazione della stagione cubista, essenziale nell’evoluzione dell’arte 

Pablo Picasso. Il Cubismo

Cubismo analitico

Questa fase (1909-1912) è una tra le più impegnative nella carriera dell’artista, è caratterizzata dal ridurre ai minimi termini i volumi e lo spazio. I paesaggi, le figure e gli oggetti, rappresentati in una frenetica scissione cromatica, si scompongono in piani e forme geometriche elementari, sintetizzati con 3 elementi: cono, cilindro sfera.

La sintesi volumetrica della scultura africana, abbinata all’impiego di una

ristretta gamma degli ocra e dei grigi, portò Picasso e Braque alla creazione e condivisione del  primo cubismo, quello analitico.

L’immagine reale di una natura  morta  va in frantumi, e un viso, una chitarra, un boccale, un bicchiere, un violino, un frutto si disintegrano in una moltitudine di corpuscoli.

Lo stile caratterizzante di questo primo periodo si evince da opere come: Il poeta

(Venezia, Collezione Peggy Guggenheim, 1911) e Suonatore di fisarmonica (New York, Solomon R. Guggenheim Museum, 1911), Nudo della foresta di Picasso e Case all’Estaque di Braque.

Il cubismo,ancora oggi a un secolo di distanza, è considerato il movimento inquietante e rivoluzionario che più di ogni altro ha influenzato l’arte del 900.

Nel 1911 Pablo Picasso, pazzoide e stravagante di carattere, fu sospettato assieme all’amico Guillaume Apollinaire di aver trafugato la Gioconda dal Museo del

Louvre. Inutile dire che i due giovanotti senza arte ne parte furono scarcerati perché innocenti.

Cubismo sintetico

La fase successiva (1912-1919) del movimento cubista definito ‘sintetico’ partì nel 1912, caratterizzato dall’introduzione progressiva di lettere stampate, listelli di legno, trompe l’œil, collage e il papier collé, incollati esplicitamente sulle tele.

L’artista rappresentò contemporaneamente molti punti di fuga dello stesso oggetto, per mezzo di veri collages di realtà amalgamati nella tela. La stessa tecnica, che Braque utilizzò nel suo quadro Piatto di frutta e bicchiere. Sono di questo periodo Chitarra

(tecnica del papier collé) (New York, Modern Art Museum, 1913) e Bottiglia di Vieux Marc, bicchiere e giornale del 1913

Parigi e le donne

“Cambiò le sue amanti ogni volta che ha cambiato stili di pittura”, questo si è detto di Picasso. Molti dei suoi ritratti sono delle sue mogli, amanti e modelle. A Parigi Picasso conosce Fernande Olivier (1881-1966), che fu la prima relazione di Picasso e modella di molti dipinti del periodo Rosa. Sebbene Fernande fosse sposata, rimase con Picasso per 7 anni.

Fernande lasciò Picasso nel 1912, mesi dopo che il maestro si interessò a Marcelle Humbert, conosciuta come Eva Gouel (1885-1915). Picasso fu devastato dalla sua morte prematura a causa di tubercolosi o cancro nel 1915 e immortalò il suo amore per Eva dipingendo “I Love Eva”

Nel 1917 la ballerina Olga Khokhlova (1891-1955) incontrò Picasso mentre l’artista stava progettando il balletto Parade a Roma, che doveva essere eseguito dal Ballet Russe di Sergej Djagilev. Si sposarono a Parigi nel 1918 e vissero una vita di lotte. Lei apparteneva all’alta società mentre Picasso era più bohémien. Il loro figlio Paulo è nato nel 1921 e morto nel 1975.

Nel 1927 conobbe Marie-Thérèse Walter (1909-1977), una ragazza di 17 anni che viveva in un appartamento di fronte a lui (era ancora sposato con Olga). Marie-Thérèse e Picasso ebbero una figlia, Maya nel 1935. La relazione di Picasso con Marie è stata mantenuta da Olga fino a quando non le è stato detto della gravidanza di Marie. Questa morì impiccandosi nel 1977, quattro anni dopo la morte di Picasso.

Marie divenne comprensibilmente gelosa quando Picasso iniziò ad innamorarsi di Dora Maar (1907 -1997) nel 1936, stimata fotografa, ben introdotta nella cerchia dei Surrealisti, colta, spregiudicata, indipendente.

Fu lei che documentò con le foto la realizzazione di Guérnica (1937). Diventò compagna e amante costante dell’artista dal 1936 all’aprile del 1944. Picasso si riferiva a Dora come la sua “musa privata“.

Nel 1943 a 62 anni,  cominciò a frequentare la giovane studentessa d’arte Françoise Gilot (nata nel 1921). I loro due figli furono Claude (1947) e Paloma (1949) che fu chiamata così per la colomba che Picasso dipinse a sostegno del movimento per la pace. La Gilot, umiliata dai tradimenti di Picasso con altre donne e dalla sua natura violenta, lo lasciò nel 1953.

Nel 1944 Genevieve Laporte, nata nel 1927, intervistò Picasso per un giornale scolastico. Anni dopo, nel maggio del 1951, iniziò  la loro relazione quando la giornalista visitò il settantenne Picasso nel suo studio mentre viveva ancora con Françoise Gilot. Dopo aver rifiutato l’invito di Picasso a trasferirsi con lui a St. Tropez, lo lasciò nel 1953 nello stesso momento in cui Françoise lasciò l’artista.

All’atelier Madoura, dove Picasso creò le sue ceramiche, sconfortato e in solitudine, incontrò Jacqueline Roque (1926 -1986). La conquistò mandandole una rosa al giorno; si sposarono nel 1961 e negli 11 anni del loro matrimonio lui le farà 400 ritratti

Quando Picasso morì l’8 aprile 1973, Jacqueline, che era stata con Picasso per 20 anni, impedì ai figli di Picasso, Claude e Paloma, di assistere al suo funerale. Jacqueline è morta sparandosi nel 1986.

Picasso e l’Italia

Nel 1917 Jean Cocteau invitò Picasso ed Erik Satie a fare un viaggio a Roma per incontrare il famoso impresario Sergej Djagilev dei Ballets Russes. La collaborazione di Picasso per il balletto e le produzioni teatrali erano iniziate un anno prima.

Picasso assieme ai suoi amici visitò Roma, Napoli e Pompei, un viaggio indimenticabile soprattutto per il pittore spagnolo, molto influenzato dalla vita popolare della città del golfo, con le maggiori espressioni della cultura tradizionale napoletana.

A Roma, città in cui vive il contatto con i tesori archeologici e i grandi pittori del Rinascimento, riesce a declinare una personalissima visione dell’antichità classica.

Il risultato dei due mesi del soggiorno romano fu proprio il sipario del balletto Parade (1917), la più grande opera da lui mai realizzata, una tela di diciassette metri di base per undici di altezza, conservata al Centre-Pompidou di Parigi

Poco dopo, il suo lavoro fu caratterizzato dal neoclassicismo e da un rinnovato interesse per il disegno e la rappresentazione figurale. Negli anni ’20 l’artista e sua moglie, Olga (che aveva sposato nel 1918), continuarono a vivere a Parigi, a viaggiare spesso e a trascorrere le loro estati in spiaggia.

Dal 1925 al 1930 Picasso fu coinvolto in una certa misura con i surrealisti, e dall’autunno del 1931 era particolarmente interessato alla scultura. Nel 1932, con le grandi mostre alle Galeries Georges Petit, a Parigi e al Kunsthaus di Zurigo e la pubblicazione del primo volume del catalogo ragionato di Christian Zervos, la fama di Picasso aumentò notevolmente.

Gli anni della maturità:

Sculture e ceramiche

La scultura è stata per Picasso uno strumento permanente per una reinvenzione costante. Ha ricercato ogni volta con nuovo impeto ed entusiasmo giovanile le innovative opportunità di questa antica e nobile espressione artistica.

Utilizzando materiali e tecniche non convenzionali, nel corso della sua lunga carriera, Pablo Picasso sviluppò una profonda passione per la modellazione. A differenza della pittura, l’arte scultorea ha occupato uno spazio personale e sperimentale come artista autodidatta, pronto come sempre alla totale trasgressione.

All’atelier Madoura Realizzò sculture in bronzo, modellate in gesso, ferro saldato, filo di ferro, chiodi, frammenti di legno, lamiere piegate e assemblate in tutti i modi. Così sono esaudite le sue fantasiose opere tridimensionali. Ha creato una chitarra a grandezza naturale, violini, mandolino, clarinetto e bicchieri.

Colori vividi con cui l’artista ha completato questi rilievi e piccoli oggetti sono importanti quanto i materiali insoliti che ha usato. Famosa è l’opera bicchiere di assenzio (1914) un cucchiaio di assenzio sormontato da una zolletta di bronzo, che richiamava la paglia dello chansonnier Maurice Chevalier. Picasso si dilettava con la compagnia delle sculture come fossero la sua famiglia, ricreandole in una varietà di materiali e ambientazioni. La maggior parte le ha tenute in suo possesso durante la sua vita. Solo nel 1966, attraverso la grande retrospettiva di Parigi Hommage à Picasso, un vastissimo pubblico ha potuto ammirare questo lato recondito del suo sterminato lavoro.

La morte a Mougins (1973)

Pablo Picasso, il titano dell’arte del 20 ° secolo, dopo alcune settimane di malattia, morì novantunenne l’8 aprile del 1973 a Mougins nella sua villa sulla collina di Notre Dame de Vie. Il Dr. Jean-Claude Rance attribuì il decesso ad un edema polmonare. Con lui c’era l’ultima moglie Jacqueline Roque, sposata nel 1961, e suo figlio Paolo. Si era ritirato in esilio a sud della Francia dal 939, quando il Generalissimo Francisco Franco prese il potere in Spagna durante la guerra civile di tre anni. Il grande artista stava assemblando circa 200 dei suoi dipinti per una grande mostra al Festival delle Arti di Avignone al Palais dei Papi

Picasso: Opere più importanti

• Les Demoiselles d’Avignon (1907)
• Guernica (1937)
• Blu nude (1902)
• The Blind Man’s Meal (1903)
• The Old Guitarist (1903)
• Testa di donna (Fernande) (1909)
• Maquette for Guitar (1912)
• Three Musicians (1921)
• Glass of Absinthe (1914)
• Girl Before a Mirror (1932)
• Dora Maar in an Armchair (1939)
• La Capra (1950)

Musei

Museo Picasso, Barcellona

Inaugurato nel 1963, il Museo Picasso rivela il legame stretto e inseparabile temprato dall’adolescenza all’età adulta, fino alla morte. Circa 4.251 opere compongono la collezione permanente del geniale pittore e scultore. Il Museo Picasso è il punto di riferimento per la conoscenza della vita artistica di Pablo Picasso. Il museo ospita anche un’importante rappresentazione di opere del 1917 e la serie di Las Meninas

(1957), oltre a una collezione completa di incisioni.

Link: museupicasso.bcn.cat (http://www.museupicasso.bcn.cat/)

Museo Picasso, Malaga

Il Museo è stato creato per espresso desiderio di Pablo Picasso in onore alla sua città. L’idea iniziale sorse nel 1953, dal contatto tra Picasso e Juan Temboury Álvarez, ma il progetto decadde. Christine Ruiz-Picasso, la vedova del figlio Paul Ruiz-Picasso, ha ripreso il progetto nel 1996, e dopo 50 anni nel 2003, il museo è stato ufficialmente inaugurato dal re Juan Carlos I e dalla regina Sofia di Spagna. Le donazioni della nuora di Picasso, circa 233 opere ,costituiscono il nucleo della Collezione.

Link: museopicassomalaga.org (http://museopicassomalaga.org)

Musée national Picasso, Parigi

La collezione del Museo Picasso di Parigi è il frutto di due donazioni concesse allo Stato dagli eredi di Pablo Picasso nel 1979 e quelli successivi da Jacqueline Picasso nel 1990. Parenti e Amici dell’artista hanno donato importanti lasciti e

donazioni completando e arricchendo questo insieme di capolavori. Circa 300

dipinti, 250 sculture, incisioni, studi, quaderni di schizzi, schizzi a matita, a carboncino, inchiostro, pastello, acquerello tutti su carta a testimoniare il processo creativo dell’artista.

Link: museepicassoparis.fr (http://museepicassoparis.fr)

Citazioni

“A quattro anni dipingevo come Raffaello, poi ho impiegato una vita per imparare a dipingere come un bambino”

“L’arte spazza la nostra anima dalla polvere della quotidianità”

“Uno non dipinge ciò che vede, ma ciò che sente, quello che dice a se stesso riguardo a ciò che ha visto”

“Dipingere non è un’operazione estetica: è una forma di magia intesa a compiere un’opera di mediazione tra questo mondo estraneo e ostile e noi”

Ogni bambino nasce artista. Il problema è poi come rimanerlo quando si cresce. “Attraverso l’arte noi esprimiamo la nostra concezione di ciò che la natura non è”

L’arte non è l’applicazione di un canone di bellezza ma ciò che l’istinto e il cervello elabora dietro ogni canone. Quando si ama una donna non si comincia sicuramente a misurarle gli arti”

“I colori, come i lineamenti, seguono i cambiamenti delle emozioni”

“Ci si mette molto tempo a diventare giovani”

“Perché in casa mia non ci sono appesi miei dipinti? Perché non posso permettermeli”

Nascita: 18 dicembre 1879, Münchenbuchsee Morte: 29 giugno 1940, Muralto

Corrente Artistica:

Espressionismo 

Astrattismo 

Paul Klee (1879 – 1940), un gigante dell’arte del XX secolo è uno dei più grandi innovatori geni creativi. Brillante, fantastico, Paul Klee, con l’euforia  dei suoi quadri straccia ogni facile catalogazione. Cubista, surrealista, simbolista ed espressionista, nell’olimpo dell’arte Paul Klee è menzionato tra i grandissimi del ‘900, come Matisse, Picasso, Mirò e Kandinsky.

Influenzando profondamente sull’uso dei materiali, delle tecniche, forme e immagini del modernismo europeo, Paul Klee, questo affascinante artista, ha avuto un grande impatto sull’astrattismo, una figura totale, incidendo sul lavoro di Rothko, Miró e Pollock.

Eppure, con tale enorme statura, c’è ancora molto da indagare per mettere in luce il rigore e gli aspetti più innovativi del suo lavoro, attraverso disegni, acquerelli e le sue tele i “quadri magici”.

Biografia

Paul Klee da giovane, dalla musica alla pittura

Klee, acquarellista tedesco, pittore e incisore di opere fantastiche, è nato a Münchenbuchsee, nei pressi di Berna, figlio di un insegnante di musica tedesco e madre svizzera. Inizia a suonare violino all’età di 7 anni con eccellenti risultati (viene invitato a 11 anni a suonare per la Bernische Musikgesellschaft, Bern Music Society) ed impara ad amare soprattutto la  musica del XVIII e e XIX secolo, Bach, Mozart, Beethoven.

Nutriva invece forte critica nei confronti della musica moderna per via del progressivo “declino” a livello di significati e contenuti.

Si orientò quindi ben presto verso un’altra arte, la pittura.

Già a sedici anni dimostrava ottime doti paesaggistiche e caricaturali (famoso il suo diario sul quale spesso disegnava). Passa a fatica gli studi presso il “Gymnasium” di Berna notando, con il suo tipico umorismo: “Dopo tutto, è difficile passare con

l’esatto minimo, e ciò comporta dei rischi!”.

Contro la volontà dei suoi genitori, nel 1898 si trasferisce a Monaco per studiare presso l’Accademia di Belle Arti. In quel periodo, in gran parte trascorso in locali frequentando modelle e donne di ogni estrazione, ricorderà in seguito: “Durante il terzo inverno ho anche realizzato che probabilmente non imparerò mai a dipingere”.

Visita l’Italia con lo scultore Haller per ampliare la sua conoscenza dell’arte, poi ha vissuto a Berna (1902-6). Nel 1905 si recò a Parigi, dove conobbe le opere degli impressionisti, preferendo pur sempre Van Gogh e Cézanne.

Nel 1906 si stabilì a Monaco, dove entrò a far parte del gruppo di artisti espressionisti Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro), di cui Kandinsky, August Macke e Gabriele Münter sono gli esponenti di spicco.

La formazione e ” Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro)”

Nel 1906 sposa la pianista bavarese Lily Stumpf, che gli regala un bambino, Felix Paul. Vivono in una zona periferica di Monaco, e per cinque anni Paul Klee cerca un nuovo approccio per la sua arte, dividendo il suo tempo fra la cura della casa e la pittura.

Nel corso di un viaggio a Parigi strinse amicizia con Robert Delaunay, pittore cubista, ed ebbe modo di apprezzare soprattutto le opere, di Braque e Picasso. Nel 1924, con Kandinsky, Jawlensky e Feininger, dette vita al gruppo Die Blauen Vier (I Quattro Azzurri), con il quale espose anche in America. Partecipò anche alla mostra parigina dei surrealisti nel 1925.

Paul Klee, sovente etichettato come sognatore, è in realtà un grande innovatore nell’uso della linea, delle tecniche di pittura e del colore, svelando la rivoluzione e il rigore con cui ha creato il suo lavoro. Egli disegna come sui miraggi e sulle ossessioni, leggende o visioni catastrofiche, senza tralasciare l’impronta molto profonda sul paesaggio, il ritratto, l’architettura e le fantasie astratte.

Il suo acquerello è essenzialmente irreale, dove giocare con sottili scansioni cromatiche. Un giallo delicato o verde pastello, un blu stemperato o viola malva e arancio solare, tutti che vibrano come note su una nitida carta bianca. Una intera partitura musicale del mondo che lo circonda.

Viaggio in Tunisia, 1914

Essenziale per la sua evoluzione artistica è tuttavia un viaggio in Tunisia che lo affascina e ammalia con uno spettro di colori caldi e atmosfere arabeggianti. Con il suo amico Louis Moilliet e August Macke, nel 1914 visitano Tunisi, Sidi Bou Said, Ezzahra, Hammamet, Sousse, Gabes, Medenine, Zarzis e Kairouan nel deserto. Abbagliato dai colori del paese nordafricano coglie l’occasione di esplorare la luce sfolgorante del deserto interpretata magnificamente nel linguaggio acquarellista.

L’evento dell’auto rivelazione che avrebbe per sempre stravolto la vita di Klee e dell’arte degli anni futuri: “Il colore mi possiede. Non ho bisogno di tentare di afferrarlo. Mi possiede per sempre, lo sento. Questo è il senso dell’ora felice: io e il colore siamo tutt’uno. Sono pittore”, scrive, “lo farà per sempre”*.

Colori puri emergono nei luminosi acquerelli abbozzati durante la permanenza in quei luoghi da fiaba.

Arabeschi, minareti, cupole, cammelli e palme sono impregnati di atmosfere esotiche e fiabesche. Elementi geometrici dai colori lievi danzano ravvicinati in una leggiadra partitura di accordi sonoramente musicali. Curve pennellate che raffigurano vegetazioni che infiammano le forme, verdi, viola, grigi e rose trasferendo la luce, con giravolte come lune e stelle dove si insinua il dettaglio del colore e della trama così sottile.

Se, come nota lo scrittore surrealista francese René Crevel (1900- 1935), i lavori di Klee “sono un processo di creatività spontanea, un museo di sogni senza polvere”, è anche vero che l’innovazione e i temi delle opere dell’artista tedesco rispecchiano le esperienze private, rapportate agli episodi storici che si sviluppano intorno a lui in Europa.

Esploratore del profondo, Klee scruta meticolosamente con gli occhi senza immobilizzarsi al livello immaginativo né di tradurre la mera realtà qualificando così l’artista di oggi ad un piano superiore rispetto ad un semplice robot fotografico.

È molto più enigmatico, ricco e con un’ottica molto ampia in quanto individuo figlio incondizionatamente legato all’umanità e al ritmo cosmico: “una creatura su una stella tra le stelle”, scrive in “Teoria della forma e della figurazione” (1921-1931),  immancabile introduzione al laboratorio creativo del grande pittore. Intuizione poetica ed esperienza .

Gli anni ’30 e l’Antisemitismo

La sua ricerca artistica, anche se vista come una sorta di crescita naturale, resa semplice dalla sua celebre definizione “il disegno è l’arte di condurre una linea a fare una passeggiata” fu in realtà molto severa. Catalogò diverse sue opere secondo un sistema personale e scrisse volumi sulla teoria dei colori.

Le sue tele trasmettono un’esperienza intima paragonata alla lettura di un libro o di uno spartito musicale. Ogni  segno, un quadrato, un triangolo, un cerchio, una linea o un punto consentono al quadro di svilupparsi o crescere, quasi come un organismo vivente.

Il controllo di Klee su tutti gli strumenti adoperati è sempre eccelso, lasciando la sensazione dell’infinito su una groviglio di linee come un manoscritto musicale tridimensionale.

Bauhaus. Arte e Design

Gli anni ’30 porteranno a sconvolgimenti profondi: con l’insorgere di sentimenti antisemiti in Germania, i nazisti licenziano Klee dal suo incarico di insegnante della teoria sull’uso di tecniche e colori al Bauhaus di Weimar, tra gli anni ’20 e ‘30.

È costretto a rifugiarsi in Svizzera con la sua famiglia, mentre le sue opere furono rimosse dalle collezioni e etichettate come “arte degenerata” in Germania.

Nonostante le turbolenze, l’insicurezza finanziaria e politica, malgrado la sua salute in declino, Klee diventa ancora più prolifico, fermando tenacemente ancora nell’animo quel lusinghiero ottimismo che compare nelle allegre tinte di “Parco vicino a Lu” (1938).

La morte in Svizzera

Profondità di sentimento la sua, fino quasi alla fine del percorso, con le opere struggenti dipinte alla fine degli anni Trenta, quando ha sofferto di una malattia devastante che sapeva che lo avrebbe ucciso, lavorando praticamente sino alla morte, in Svizzera, nel 1940.

Opere di Paul Klee più importanti

• Senecio (1922)
• Flora on Sand (1927)
• Fish Magic (1925)
• Cat and bird (1928)
• Ad Parnassum (1932)
• Morte e il Fuoco (1940)

Musei

Museo Zentrum Paul Klee

Il Museo Zentrum Paul Klee aprì le porte nel 2005. Situato a Berna, in Svizzera, grazie alle donazioni di Livia Klêe-Meyer (vedova), il figlio Alexander e della fondazione Paul Klee. Essi costituiscono una raccolta di oltre 4.000 opere, che sono circa il 40% di tutto il lascito all’umanità dell’artista. In questo museo, oltre ad un’infinità di schizzi, tele e manoscritti, troviamo anche molti oggetti privati, come le marionette che realizzò per il figlio Felix.

Link: Zentrum Museum (https://www.zpk.org)

Citazioni*

“Dopo tutto, è difficile passare con l’esatto minimo, e ciò comporta dei rischi!”

“Durante il terzo inverno ho anche realizzato che probabilmente non imparerò mai a dipingere”

“L’arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è”

“Se Ingres ha posto ordine alla quiete, io vorrei, al di là del pathos, porre ordine al movimento”

“Tutta l’arte è un ricordo all’origine, è nell’oscurità, i suoi frammenti vivono sempre nell’artista”

“Dietro la varietà delle interpretazioni c’è un ultimo segreto e la luce dell’intelletto si spegne miseramente”

“Un solo giorno basta a farci un po’ più grandi oppure, un’altra volta, un po’ più piccoli”

“Il colore mi possiede. Non ho bisogno di tentare di afferrarlo. Mi possiede per sempre, lo sento. Questo è il senso dell’ora felice: io e il colore siamo tutt’uno. Sono pittore”

“Una volta visto Leonardo non si pensa più alla possibilità di fare molti progressi”

“Il disegno è l’arte di portare a spasso una linea”

“Pur non così temerario da pensare di capire il nocciolo della creatività sono curioso di spiarla quanto più è possibile”

Il Secessionismo è una corrente artistica sviluppatisi fra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo a Monaco, Berlino e a Vienna.  Caratterizzata da una forte sensualità ed opulenza estetica che si inserisce nel contesto delle avanguardie degli inizi del XX secolo.

L'ufficializzazione di questo movimento avvenne con la cosiddetta “Secessione viennese” che consistette nella creazione di un'associazione di 19 artisti, fra cui pittori e architetti, che si staccarono dall'Accademia di Belle Arti per formare un gruppo autonomo.

Il termine "Secessione Viennese", in tedesco "Wiener Secession" nasce dall'abbandono di parecchi membri del più importante circolo artistico della Mitteleuropa, la Wiener Künstlerhaus (Casa degli Artisti di Vienna) che rappresentava l'Associazione Ufficiale degli Artisti viennesi.

Il successo di questi gruppi nei confronti del classicismo fu, per l’appunto, l’affermazione di un nuovo modo di concepire l’arte: l’artista non era più obbligato a seguire i canoni tradizionali e, soprattutto, non doveva render conto a nessuno di ciò che faceva. Diventava il signore assoluto nella valutazione delle proprie creazioni.

Questa secessione nota anche come l'Unione degli Artisti Austriaci o Vereinigung Bildender Künstler Österreichs, avvenne per le divergenza di idee sullo scopo dell'arte e sul tradizionale orientamento verso lo storicismo di 18 artisti fra cui Gustav Klimt che ne era membro dal 1891.

L'ideale della Gesamtkunstwerk, l'opera d'arte totale, venne esaltato da questi artisti, che progettarono, dipinsero, decorarono in vista di una fusione completa delle arti.

I principali fautori di questo movimento furono Gustav Klimt, Egon Schiele, Koloman Moser, Otto Wagner, Max Fabiani, Joseph Maria Olbrich, Carl Moll, Josef Maria Auchentaller e Josef Hoffmann, alcuni dei quali sono morti nel 1918, a causa della pandemia di influenza spagnola. 

Questo movimento è contemporaneo agli altri movimenti simili sviluppatisi nel resto dell'Europa, ognuno con un proprio nome a seconda della nazione caratterizzato dalla  sua propensione ad un certo recupero della tradizione, ma con l'utilizzo di nuove tecniche e di nuovi materiali.

Secessione Viennese è la definizione che l'Art Nouveau, prende in Austria; in Francia viene denominata Stile di Nancy e Art Deco, "Jugenstil" in Germania, "Liberty, o stile floreale" in Italia, "Modernismo" in Spagna e "Modern style" in Gran Bretagna.